La psychologie de l’artiste : l’esprit d’un musicien

Cette partie a pour but de d’analyser le comportement du musicien pour mieux le comprendre. Cela nous permettra de prendre conscience du contexte dans lequel il évolue et des à priori et idées fausses qui compliquent l’approche de ces patients.
Dans cette partie, nous aborderons l’apprentissage, la recherche de la perfection, l’influence du stress ainsi que les idées reçues.
Il est important d’en être averti et d’en tenir compte dans la prise en charge médicale ou paramédicale du musicien.

Apprentissage d’un instrument et recherche de la perfection

On ne naît pas musicien, on le devient.
L’apprentissage d’un instrument met en jeu toute la personne. Il nécessite un travail quotidien, rigoureux, répétitif et intensif, souvent dès le plus jeune âge.
Dans les conservatoires, dans le milieu professionnel, une haute précision technique est exigée - celle-ci n’étant que le fruit d’un long travail.
Au conservatoire, des cours tant théoriques (solfège, histoire de la musique, sociologie, etc…) que pratiques sont dispensés. Le nombre d’heures de pratique est variable, en fonction de l’instrument, de la personne, des représentations, des exigences en temps d’examens par exemple… mais cela peut aller de quelques heures à 8-10 heures, quotidiennement.
L’enseignement doit harmoniser savoir et savoir-faire. Il aboutira à l’expérience de la scène pour la plupart, domaine dans lequel l’excellence artistique est indissociable du jeu.

« On n’a rien sans rien ! »
L’étude d’un instrument ne porte que rarement ses fruits spontanément. On ne peut surmonter les difficultés techniques que par le travail. Mais heureusement, la passion entretient la patience.
Pour être capable d’exprimer ses sentiments, de faire passer des émotions au travers de son jeu, le musicien doit y mettre toute sa motivation, sa volonté, sa rigueur, sa persévérance et bien plus. Son geste doit être précis, sans à peu près. Sa dextérité sans égale.
Une infime erreur dans le placement de sa main ou de ses doigts peut avoir comme conséquence sur la note voulue une imprécision minime mais qui la fera sonner fausse. Là est la différence entre le virtuose et les autres.
Il est en interaction avec l’instrument, avec lequel il ne fait plus qu’un. Il est en perpétuelle recherche d’une technique toujours plus juste, précise, parfaite.
Il doit pouvoir retranscrire les notes de la partition avec aisance, s’en imprégner pour faire passer son message artistique.

C’est de tout cela que doit faire preuve le musicien dans l’étude de son instrument.
La satisfaction d’avoir atteint son but, d’avoir passé le cap d’une nouvelle technique ou d’un morceau difficile, est tellement gratifiante pour l’artiste, qu’il en oublie (et néglige) le reste. Le sentiment de bien-être prend le dessus. L’effort enduré est déjà du passé ; il est près à se lancer le prochain défi !
C’est dans ce perpétuel duel corps/instrument que s’épanouit l’instrumentiste. Il connaît peut-être son instrument, mais son corps, pourtant son instrument premier, il le méconnaît trop souvent.
Cet aspet difficile de l’apprentissage va réapparaître avec la pathologie, mais d’une manière plus soudaine et violente. L’idée même d’une éventuelle régression ou d’une impossibilité de continuer à jouer va le plonger dans une grande détresse. L’une des phobies d’un artiste : que ses facultés physiques ne soient plus à la hauteur de ses ambitions artistiques.
Le fruit de ce travail fastidieux qu’est l’apprentissage d’un instrument va être mis à mal par l’apparition d’un trouble fonctionnel.