Médecine des Arts

Cette partie a pour but de d’analyser le comportement du musicien pour mieux le comprendre. Cela nous permettra de prendre conscience du contexte dans lequel il évolue et des aprioris et idées fausses qui compliquent l’approche de ces patients.

Dans cette partie, nous aborderons l’apprentissage, la recherche de la perfection, l’influence du stress ainsi que les idées reçues.
Il est important d’en être averti et d’en tenir compte dans la prise en charge médicale ou paramédicale du musicien.

Apprentissage d’un instrument et recherche de la perfection

On ne naît pas musicien, on le devient.
L’apprentissage d’un instrument met en jeu toute la personne. Il nécessite un travail quotidien, rigoureux, répétitif et intensif, souvent dès le plus jeune âge.
Dans les conservatoires, dans le milieu professionnel, une haute précision technique est exigée - celle-ci n’étant que le fruit d’un long travail.

Au conservatoire, des cours tant théoriques (solfège, histoire de la musique, sociologie, etc…) que pratiques sont dispensés. Le nombre d’heures de pratique est variable, en fonction de l’instrument, de la personne, des représentations, des exigences en temps d’examens par exemple… mais cela peut aller de quelques heures à 8-10 heures, quotidiennement.
L’enseignement doit harmoniser savoir et savoir-faire. Il aboutira à l’expérience de la scène pour la plupart, domaine dans lequel l’excellence artistique est indissociable du jeu.

« On n’a rien sans rien ! »
L’étude d’un instrument ne porte que rarement ses fruits spontanément. On ne peut surmonter les difficultés techniques que par le travail. Mais heureusement, la passion entretient la patience.

Pour être capable d’exprimer ses sentiments, de faire passer des émotions au travers de son jeu, le musicien doit y mettre toute sa motivation, sa volonté, sa rigueur, sa persévérance et bien plus. Son geste doit être précis, sans à peu près. Sa dextérité sans égale.
Une infime erreur dans le placement de sa main ou de ses doigts peut avoir comme conséquence sur la note voulue une imprécision minime mais qui la fera sonner fausse. Là est la différence entre le virtuose et les autres.

Il est en interaction avec l’instrument, avec lequel il ne fait plus qu’un. Il est en perpétuelle recherche d’une technique toujours plus juste, précise, parfaite.
Il doit pouvoir retranscrire les notes de la partition avec aisance, s’en imprégner pour faire passer son message artistique.

C’est de tout cela que doit faire preuve le musicien dans l’étude de son instrument.

La satisfaction d’avoir atteint son but, d’avoir passé le cap d’une nouvelle technique ou d’un morceau difficile, est tellement gratifiante pour l’artiste, qu’il en oublie (et néglige) le reste. Le sentiment de bien-être prend le dessus. L’effort enduré est déjà du passé ; il est près à se lancer le prochain défi !

C’est dans ce perpétuel duel corps/instrument que s’épanouit l’instrumentiste. Il connaît peut-être son instrument, mais son corps, pourtant son instrument premier, il le méconnaît trop souvent.

Cet aspet difficile de l’apprentissage va réapparaître avec la pathologie, mais d’une manière plus soudaine et violente. L’idée même d’une éventuelle régression ou d’une impossibilité de continuer à jouer va le plonger dans une grande détresse. L’une des phobies d’un artiste : que ses facultés physiques ne soient plus à la hauteur de ses ambitions artistiques.

Le fruit de ce travail fastidieux qu’est l’apprentissage d’un instrument va être mis à mal par l’apparition d’un trouble fonctionnel.

Idées reçues et aprioris : facteurs d’une érosion destructrice

Peur du diagnostic, idées fausses, gêne souvent sous estimée, pas prise au sérieux ou considérée comme normale… Ces facteurs ont comme conséquence de retarder l’initiation de la prise en charge. Ces patients consultent plus tard que les autres, quand il est parfois déjà trop tard.

 De la part du musicien :

Un musicien n’ira jamais consulter dès les premiers symptômes, car il sait très bien ce que cela impliquera : le médecin va exiger une limitation de la pratique et des entraînements ; ou pire, il va imposer un repos draconien interdisant pendant plusieurs mois tout mouvement susceptible d’engendrer une douleur, et par conséquent, interdisant le jeu [1]. Cette peur du diagnostique va influencer la donne.
Lors de l’enquête réalisé dans le cadre de ce travail sur la santé du musicien, j’ai remarqué cette tendance : seule la moitié des musiciens professionnels (54%) et à peine 10% des amateurs ont consulté un professionnel de la santé après avoir ressenti une gêne liée à leur pratique. (Cf Chapitre VI : analyse des résultats ; question n° 4 et corrélation amateur/professionnel. A paraître prochainement sur ce site)

Le « no pain no gain », souvent justifié comme un cap à passer et non à éviter, est une idée fausse à irradier. Il peut être extrêmement dangereux de s’exercer malgré la douleur. Cela peut même écourter une carrière, comme ce fut le cas pour Leon Fleischer (Ce pianiste virtuose (né en 1928) commença le piano à 4 ans, fit sa première représentation publique à 8 ans et souffra d’une dystonie de fonction qui l’empêcha de jouer avec sa main droite pendant plus de 40ans) . « Il y avait un côté macho à m’exercer jusqu’à franchir le seuil de la douleur, a-t-il reconnu. Même quand ma main était épuisée, je continuais. Je croyais renforcer mes muscles alors qu’en réalité ils s’affaiblissaient ». Pour beaucoup, le défi est d’intégrer la douleur non pas comme un signe d’alerte, mais comme un passage obligé, un prix à payer pour pouvoir continuer à jouer et améliorer sa technique. Voici l’un exemple d’une idée fausse, dévastatrice. Cette attitude est à proscrire, car se plier à la douleur par nécessité ne fera qu’aggraver le trouble. Mais pour un artiste, la perfection n’a pas de prix.

Dans un milieu où la compétition est féroce, se plaindre ne fait pas partie du jeu. Et de toute façon, « personne ne voudrait d’un pianiste blessé » [2].

Cette impuissance à gérer le problème l’isole encore plus. Il se considère comme un échec unique. « Pourquoi les autres réussissent si bien ? »
Un musicien que j’ai rencontré au travers de mon enquête me disait qu’il arrive souvent que des musiciens souffrant de problèmes liés à leur pratique n’en parle pas par honte, de peur d’être mis de côté, d’être déprécié.

Le musicien, tellement anxieux de perdre ses acquis, ne veut rien bouleverser. Pourquoi changer la technique alors qu’elle portait ses fruits jusqu’à présent ? La remettre en cause est une idée inconcevable. La modifier va faire vaciller tout l’édifice. C’est pourquoi cette remise en cause doit être très précoce. Il est tellement plus simple de bouleverser les habitudes d’un débutant. Un professionnel, jouant depuis 30 ou 40 ans, aura plus de difficultés à l’accepter ; la quantité de travail et de volonté à fournir pour en venir à bout en sera décuplée, et le sentiment d’échec bien souvent décourageant.

Chacun réagira à sa manière : le musicien ayant déjà connu un trouble sera sûrement plus réceptif à une prévention ; certains seront méfiants ; d’autres seront avides de conseils pour la simple satisfaction de leur soif de perfection ; d’autres encore, fuiront le corps médical comme la peste.

Ne l’oublions pas : la musique est un art, la musique est une émotion. Pour un musicien, ce côté mystique de la musique serait entravé par le côté trop concret, impersonnel et scientifique de la médecine. Sans compter tous les à priori et les connotations péjoratives que comporte sa simple évocation. L’artiste s’en est passé depuis toujours, pourquoi maintenant devrait-il s’y plier ? De plus, pour lui, un médecin n’a sûrement pas assez de connaissances concernant la performance musicale pour faire le bon diagnostic. (Ce n’est que depuis la fin des années 80 que des centres spécialisés pour les artistes ont vu le jour)

 De la part de son interlocuteur : [2] ; [3] ; [4]

Beaucoup pensent que la musique n’est que divertissement, et que musicien ne puisse pas être un vrai métier. Pire : pour certains, la notion de maladie professionnelle ne peut pas s’appliquer à la musique. Remarque récurrente lorsque l’on me demandait mon sujet de mémoire : « Ah bon ? Les musiciens peuvent avoir des problèmes ? Je ne pensais pas cela possible »…

Selon Amadio, pour beaucoup de médecins, la plus grande barrière à surmonter lors du traitement d’un musicien professionnel reste la compréhension de la terminologie professionnelle et du point de vue de son patient.

Voilà pourquoi, faute d’avoir quelqu’un de compréhensif à qui s’adresser, un musicien s’auto-médiquera souvent, jouera parfois blessé ou malade, et attendra plus longtemps qu’un autre patient avant de s’adresser au corps médical.

Influence du stress : trouver le juste équilibre.

La musique est le langage universel. La communication privilégiée entre un musicien et le public peut être une expérience enrichissante, source de plénitude et d’apaisement. Mais elle peut aussi être étouffée par une accumulation de stress, de tension et d’anxiété écrasante.

L’anxiété de performance ou « stage fright », est une des plaintes les plus courantes chez les artistes. Dans sa forme positive, le trac est un processus de dépassement de soi. Mais dans sa forme négative, ce stress situationnel devenu pathologique génère des troubles divers (crispations, fatigue chronique, dépression) qui entravent la qualité artistique de la performance scénique.

Les musiciens évoluent dans un monde de concurrence féroce où il se trouve toujours quelqu’un qui est capable de jouer la même musique avec plus d’aisance et de maîtrise. Le musicien doit constamment faire ses preuves et craint sans cesse d’être démoli par les critiques, ce qui le porte à ne viser que la performance, voir la perfection. A cela se rajoute les tourments de la création, ainsi que l’angoisse de l’erreur lors de représentations publiques. Cette dernière est inconcevable, mais quand elle se produit, le musicien se doit de garder son sang froid, et de rectifier le tir sans faire subir les conséquences de son acte au reste de l’orchestre ou du groupe. Il faut pouvoir continuer quoi qu’il arrive. « The show must go on ». Un poids de plus sur les épaules.

Ce type de stress peut entraver le développement musical et personnel. Et pourtant, apprivoisé et bien utilisé, il peut devenir un puissant facteur de motivation et de dépassement de soi. Les musiciens incapables de composer avec l’anxiété s’en trouvent paralysés.

Lorsque la tension physique est relâchée, le son produit est plus rond, chaud, pur, maîtrisé. Au contraire, la tension psychologique mène à une perte d’expression de l’émotion et la communication musicale devient impossible. L’usage inefficace de muscles tendus produit un son plus étouffé, ce qui incite le musicien à utiliser encore plus de force, à resserrer sa prise et à augmenter la tension.

En situation d’urgence et de stress, nous gagnons en vigilance, force, rapidité et agilité. La tension musculaire augmente pour protéger le corps. Il en résulte une vasoconstriction périphérique (surtout aux extrémités). Cela réduit le sang perdu en cas de blessure, mais provoque la sensation de froideur aux mains et aux pieds que les musiciens connaissent. La coordination musculaire fine, indispensable aux musiciens, en est diminuée. Et les paumes moites, quel désastre lorsque l’on joue !

Ce n’est pas la pression de l’exécution qui provoque cette anxiété déconcertante, mais le manque de coordination entre le corps et l’esprit. Pour l’utiliser de façon adéquate, les musiciens doivent apprendre à libérer les tensions et à établir un équilibre plus harmonieux. _La connaissance de ces réactions physiques primitives à l’anxiété et la compréhension du caractère normal du mécanisme en cause peuvent aider à réduire la panique. Le défi auquel chaque musicien fait face, c’est de réussir à comprendre ces réactions, à les accepter, pour les maîtriser et ainsi les tourner à son avantage, apprendre à travailler avec et en enrichir son jeu.

Il est extrêmement important de se libérer des tensions physiques, non seulement pour jouer d’un instrument, mais aussi pour l’état mental de l’interprète, qui se retentit inévitablement sur son jeu.

Dans la mesure où l’on est conscient du corps comme d’un tout, on pourra en arriver à un équilibre harmonieux entre le corps et l’esprit. Cet équilibre permettra au musicien de se préparer avec confiance à l’expérience du concert. L’anxiété ne sera plus une menace, mais un outil. Se libérer de ces soucis et gérer son stress permet de se concentrer sur la musique et de gagner en qualité artistique et en confort de vie.

Nous parlerons des techniques de prise de conscience du corps et de relaxation dans la partie VII.

Fishbein et Middlestadt [5] ont rapporté dans leur étude en 1998, que l’usage d’alcool ou de drogue, de façon ponctuelle ou chronique avant les spectacles, touchait 1 musicien sur 5. Vingt-quatre pour cent des concertistes de cette enquête se plaignaient de trac, sévère chez 16% d’entre eux. Les musiciens les plus angoissés présentaient des troubles musculo-squelettiques dans 71,1% des cas, contre 58,9% chez ceux les moins angoissés.

Conclusion :

Pour conclure cette première partie, j’aimerais insister sur le fait que le kinésithérapeute ne devra jamais s’éloigner de la dimension artistique du mouvement. On ne rééduquera pas purement une tendinite, une dystonie de fonction ou un doigt à ressaut, mais bien l’outil premier d’un musicien, son gagne-pain et le fruit d’une passion sans égale. Le thérapeute soignera son patient dans ce contexte un peu particulier.
Il devra être conscient du lien à la fois intense et fragile que le musicien tisse avec son instrument, et de l’équilibre vulnérable qui en découle.

Rédactrice Camille Josse, kinésithérapeute, pour Médecine des art®
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En savoir plus

 livre : le trac, stratégie pour le maîtriser

 revue : Psychologie du musicien. Numéro spécial. N° 11.

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